Sophie Ballmer et Tarik Hayward explorent les notions d’utopie, de ruine, de construction et de reconstruction. En mêlant leurs histoires personnelles à des enjeux culturels et écologiques plus larges, ils proposent une critique intime du Capitalocène et de ses implications sociales, environnementales et politiques. Leur pratique pluridisciplinaire — installation, sculpture, film et texte — examine la tension entre des futurs idéalisés et les réalités de la dégradation. Dans leur travail, les ruines ne sont pas de simples symboles d’échec, mais des lieux de reconstruction où les anciens systèmes se désagrègent pour laisser émerger de nouvelles possibilités, fragiles mais porteuses d’avenir. Leurs sculptures, souvent réalisées à partir de matériaux de récupération, incarnent cette tension entre le monde naturel et le monde construit. Pour cette exposition, ils présentent Fontaine, Fenêtres, Road Movie et Invasive Species — quatre installations où assemblages récupérés, huiles usagées, dispositifs vidéo et végétaux envahissants composent des installations où se mêlent fragilité, pollution et transformation, esquissant une réflexion sensible sur nos façons d’habiter un monde en mutation.

Sophie Ballmer, Tarik Hayward, portrait, © Sophie Ballmer

Séverin Guelpa développe une pratique enracinée dans le territoire, qui interroge notre rapport à la matière et au temps. Pour cette exposition, il présente Souffle et La Ligne de vie, deux oeuvres qui traitent de notre manière d’habiter le monde et de laisser des traces dans les paysages que nous transformons. Souffle est une installation sonore immersive composée de tubes d’acier et de blocs de pierre, ainsi que d’un dispositif de diffusion multicanal, qui fait résonner les sons du soussol et des voix entrelacées. De cette rencontre naît un paysage acoustique où se superposent forces naturelles, présences humaines et mouvements invisibles de la Terre. Avec La Ligne de vie, performance à laquelle il convie Edouard Wolton et Julie Semoroz, l’artiste transpose les procédés de la gravure à l’échelle du site entier. A l’aide d’un rouleau compresseur utilisé comme outil d’impression, l’oeuvre recueille les aspérités du sol, les marques de passage et les traces du terrain, faisant du site son support autant que son auteur. Bien que très différentes dans leur forme, les deux oeuvres partagent une même attention aux phénomènes invisibles, aux traces et aux temporalités qui façonnent nos territoires. Ensemble, elles proposent une expérience sensible où le paysage n’est plus seulement représenté : il devient un acteur à part entière, porteur de mémoire, de transformation et de récit.

Moving Waters, Shifting Horizons est une installation immersive qui explore notre relation à l’eau. Ressource vitale et fondement de tous les écosystèmes, l’eau est aujourd’hui confrontée à des défis majeurs : fonte des glaciers, vagues de chaleur, inondations, montée du niveau des mers et raréfaction de l’eau potable. À travers une approche mêlant photographie, vidéo et sculpture, Johanna Hullár invite à un voyage sensoriel où les images se métamorphosent sans cesse. En revisitant la tradition de la nature morte, Moving Waters, Shifting Horizons est un parcours à travers différents chapitres, au sein desquels des écosystèmes sont peuplés de fleurs exotiques, de matériaux plastiques et de textures éclatantes. En jouant sur le mouvement, les reflets et la perspective, l’artiste compose des tableaux vivants aux couleurs acidulées où les objets se transforment en permanence. Ils deviennent les protagonistes de paysages fragmentés, témoins des mutations écologiques et des interactions complexes entre le naturel et l’artificiel. Inspirée par les neurosciences, l’installation part de l’idée que l’incertitude alimente la peur tandis que la compréhension favorise l’apaisement. A travers ses scènes, Johanna Hulláar propose de développer de nouvelles capacités d’adaptation, d’encourager la résilience, la curiosité et la transformation. Comme l’eau, capable de contourner les obstacles sans les affronter frontalement, nous sommes invités à apprendre à naviguer dans un monde complexe, à imaginer de nouveaux horizons et à réinventer notre manière d’habiter la planète.

À travers différentes techniques de prise de vue, de tirage et d’impression, Santiago Martinez Benedetti explore les modes de reproduction, de transformation et d’apparition des images par la photographie. En questionnant la reproductibilité et l’unicité de l’oeuvre, il met en avant des procédés manuels où le geste demeure central, réaffirmant la dimension matérielle de l’image à l’ère numérique. La proposition Feuille, caillou, ciseaux est un ensemble de trois séries, qui reprennent les éléments de ce jeu, également connu sous le nom de chifoumi. Une paire de ciseaux géante accueille les visiteurs. Réalisées avec un appareil photographique hybride, conçu par l’artiste, ces images déforment progressivement l’objet jusqu’à lui conférer une présence presque anthropomorphe. Agrandies dix fois, les images de Ciseaux sont reproduites en sérigraphie, jusqu’à atteindre une échelle humaine. Caillou est une tentative d’effacer une image avec elle-même. Pour cette série, l’artiste superpose un positif et un négatif au format 4×5 en se demandant si l’image va disparaître. Le résultat de ce jeu n’est ni une addition ni une soustraction : une empreinte reste perceptible sur le papier. Le tirage argentique fixe cet état de résistance d’une image face à son effacement. La troisième série est constituée de photogrammes réalisés à partir de feuilles A4 pliées. Dans Feuille, ce qui est habituellement un support devient le sujet. Banale et industrielle, la feuille de papier prend des formes multiples et se confronte à l’unicité du tirage argentique baryté. À l’image du jeu dont il emprunte le titre, Feuille, caillou, ciseaux repose sur un équilibre où aucun élément ne l’emporte durablement sur un autre. Entre reproduction et original, contrôle et imprévu, fragilité et résistance, l’artiste ouvre un espace de réflexion sur les propriétés et les métamorphoses de l’image photographique.

Pour cette exposition, Julie Semoroz présente cinq oeuvres qui explorent la communication, la résonance et la mémoire du vivant. In Between, installation immersive mêlant son, photographie, lumière et recherche scientifique, explore les phénomènes de synchronisation et désynchronisation entre humains, animaux et environnements. Ping Pong et HCI – Human Cetaceans Interaction, est une installation participative associant une table de ping-pong et une pièce sonore. Inspiré d’une expérience menée en Norvège avec le chercheur Jörg Rychen, de l’Institut de neuroinformatique de l’ETH (Zürich), auprès des orques et des baleines à bosse. Sans chercher à «parler» leur langage Julie Semoroz explore une interaction sur l’écoute, l’imitation et la réciprocité. Ettol, série photographique réalisée avec Michael Cordey, associe structures organiques et imagerie neuronale, issues de recherches menées au CISA (Centre Interfacultaire en Sciences Affectives de l’Université de Genève) et au Wyss Center au Campus Biotech avec le professeur Didier Grandjean. Sérigraphies douze mille vingt est un triptyque de sérigraphies réalisé à partir de planches de bois d’arolle modifiées, dont les formes évoquent visuellement des ondes musicales. Conçu comme un espace de dialogue entre humains et non-humains, The Living Committee, installation sonore, vidéo et performance, rassemble voix, sons environnementaux transformés, récits et recherches scientifiques. Ice Cave Sing Me a Song, un diptyque vidéo, imagine à travers une narration poétique et sonore la voix d’une grotte de glace confronté à sa propre disparition sous l’effet du réchauffement climatique. Spongia Vocalis est une installation sonore composée d’éponges marines imprimées en 3D. Réalisée en collaboration avec l’équipe de Thierry Pérez (CNRS, IMBE), l’oeuvre transforme des informations métabolomiques en paysages sonores donnant voix à des organismes essentiels à la biodiversité marine. Ensemble, ces oeuvres dessinent une écologie sensible, où chaque forme de vie peut faire entendre sa voix.

Avec le soutien de Mind the Gap et de l’État de Genève pour les oeuvres de Julie Semoroz.

Avec le soutien de Mind the Gap et de l’État de Genève pour les oeuvres de Julie Semoroz.

Stephan Zimmerli développe une pratique centrée sur la mémoire, l’exil et les architectures de la reconstruction. Pour cette exposition, il présente trois oeuvres issues du projet Studiolo de l’Exil. Studiolo de l’Exil (VII) / Romainville est une micro architecture inspirée des studioli de la Renaissance : à travers des séances de dessin menées avec des personnes ayant vécu l’exil, l’artiste reconstitue, à partir de leurs seuls souvenirs, des lieux perdus. Peu à peu, les récits deviennent paysages au fusain, formant une mémoire collective sensible qui relie histoire intime, territoire et partage. Les Studiolini sont des miniatures des Studioli de l’exil, réalisées avec Hung Ton. Sur leurs murs intérieurs, des dessins au graphite et à la craie matérialisent les souvenirs de lieux perdus, transmis par les exilés et entièrement reconstitués à partir de la mémoire. Chaque studiolino figure l’intérieur d’un esprit collectif, peuplé d’images, de mots et de cartes : suspendus ensemble, ils forment une constellation de « souvenirs artificiels » incarnés et physiques. Avec Theatrum Exilii Orbis Terrarum, l’artiste réalise un dessin au fusain sur tulle, qui cartographie les distances mentales parcourues par les participants, en s’inspirant des cartes « sud-haut » qui renversent les hiérarchies entre hémisphères. Ensemble, ces oeuvres tissent une géographie du souvenir, où l’exil devient récit collectif et matière à transmission.